Algumas ideias que repetimos sobre os filmes podem estar
reduzindo o cinema que estamos dispostos a descobrir
“É muito parado.” “É em preto e branco.” “Não entendi o
final.” “Deve ser bom porque ganhou vários prêmios.”
Comentários como esses fazem parte das conversas sobre
cinema. Muitas vezes expressam apenas preferências pessoais. O problema começa
quando se transformam em regras capazes de decidir, antes mesmo da sessão,
quais filmes merecem nossa atenção.
1. FILME LENTO É FILME RUIM
Ritmo não é sinônimo de qualidade. Alguns cineastas utilizam
a duração, o silêncio e a observação como elementos fundamentais de sua
linguagem. Ozu, Tarkóvski e Béla Tarr são exemplos de autores para quem o tempo
também produz significado.
Isso não transforma todo filme lento em grande cinema.
Apenas significa que lentidão, sozinha, não é defeito.
2. FINAL ABERTO É FALTA DE CONCLUSÃO
Nem toda história precisa entregar uma resposta definitiva.
Filmes como A Separação, de Asghar Farhadi, utilizam
a ausência de uma solução final para prolongar seus conflitos além da sessão.
Até produções populares, como A Origem, de Christopher Nolan, recorrem à
ambiguidade.
Às vezes, a pergunta que permanece é justamente a conclusão
que o filme procura.
3. PRETO E BRANCO É ULTRAPASSADO
Depois da consolidação do cinema colorido, o preto e branco
tornou-se também uma escolha estética.
Roma, Cold War e O Farol estão entre os
exemplos contemporâneos. Sem as cores, luz, sombra, contraste e textura assumem
outras funções.
O preto e branco não pertence apenas ao passado do cinema.
Continua sendo parte de sua linguagem.
4. CINEMA COMERCIAL NÃO PODE TER GRANDE VALOR ARTÍSTICO
Hitchcock fez cinema para grandes públicos. Spielberg
também. Tubarão ajudou a estabelecer o modelo do blockbuster moderno e
permanece uma extraordinária aula de suspense e construção narrativa.
Sucesso comercial não garante qualidade artística. Mas
tampouco a impede. A fronteira entre entretenimento e arte é muito menos
rígida do que parece.
5. FILME PREMIADO DEVE AGRADAR TODO MUNDO
Oscar, Palma de Ouro e outros prêmios ajudam a reconhecer e
divulgar obras importantes. Não obrigam ninguém a gostar delas.
Premiações refletem escolhas de determinados júris,
realizadas em contextos específicos. Para o espectador, talvez seja mais
interessante substituir “preciso gostar deste filme” por outra pergunta: por
que ele foi tão valorizado? Mesmo a discordância pode ampliar nosso
repertório.
6. PARA ENTENDER CINEMA É PRECISO FORMAÇÃO ESPECIALIZADA
Todo espectador já lê imagens antes de conhecer os nomes das
técnicas.
Percebemos quando a música provoca tensão, quando um
enquadramento isola alguém ou quando a montagem acelera uma sequência. Estudar
cinema permite compreender melhor esses recursos, mas não é pré-requisito para
começar.
O repertório não precisa existir antes da experiência. Ele é
construído por ela.
7. RECONHECER DEFEITOS SIGNIFICA NÃO PODER GOSTAR
Um filme pode ser imperfeito e ainda nos emocionar. Outro
pode ser tecnicamente extraordinário e não estabelecer qualquer conexão
conosco.
Por isso, três perguntas diferentes não precisam produzir a
mesma resposta:
É bem realizado? É importante? Eu gostei?
Separá-las é um dos primeiros passos para abandonar o
simples veredicto e desenvolver um olhar crítico.
QUANTO CINEMA EXISTE ALÉM DAQUILO QUE JÁ GOSTAMOS?
Questionar esses mitos não significa aprender a gostar de
filmes lentos, finais abertos ou obras em preto e branco. Significa evitar que
nossas preferências se transformem em barreiras.
Diante de um filme que provoca estranhamento, uma pergunta
pode mudar a experiência: o que esta obra está tentando fazer?
É também dessa questão que parte UM NOVO OLHAR, nova
seção da Filmoteca. A proposta é enfrentar algumas das resistências mais comuns
dos espectadores, entender de onde elas vêm e experimentar outras formas de
aproximação com os filmes.
Não para ensinar ninguém a gostar de tudo.
Mas para descobrir quanto cinema ainda pode existir além
daquilo que já sabemos gostar.
Ensaio aprofundado na BIBLIOTECA.
Veja as demais mostras em se7e