Durante a pesquisa, examinamos produções de diferentes
épocas e gêneros, incluindo remakes realizados por cineastas consagrados. Em
muitos casos, descobrimos que os originais continuavam tão bem avaliados quanto
as novas versões, quando não apresentavam uma recepção superior. Também
encontramos refilmagens que conquistaram grande popularidade sem alcançar o
mesmo reconhecimento entre os críticos.
A dificuldade revelou um aspecto importante da história do
cinema: um filme antigo não é necessariamente uma versão menos desenvolvida
de uma história que seria aperfeiçoada no futuro. Muitos originais já
haviam encontrado soluções narrativas e visuais extraordinárias, que as novas
produções não conseguiram superar.
Para construir a seleção, utilizamos três indicadores do
Crítica Livre de Cinema: CLC Público, CLC Crítica e CLC Score, este último
representando a avaliação agregada. Procuramos filmes que apresentassem
vantagem sobre os respectivos originais tanto na recepção do público quanto na
da crítica.
Entretanto, as avaliações não foram suficientes para
determinar as escolhas. Também consideramos o que cada diretor efetivamente
transformou: a construção dos personagens, a estrutura narrativa, a linguagem
cinematográfica, o contexto histórico e as possibilidades expressivas da obra.
Os sete filmes selecionados demonstram que não existe uma
fórmula para realizar um remake superior.
Howard Hawks transformou um drama jornalístico em uma
comédia romântica extraordinariamente dinâmica. John Huston encontrou uma nova
força dramática para uma história policial já filmada. George Cukor utilizou o
musical para aprofundar uma tragédia sobre fama e decadência.
Décadas depois, David Cronenberg transformou uma aventura de
ficção científica em horror corporal e psicológico. Frank Oz recriou uma
comédia macabra como musical. Steven Soderbergh deu nova precisão narrativa a
um filme de assalto, enquanto Martin Scorsese transportou um suspense de Hong
Kong para o universo do crime organizado americano.
São sete caminhos diferentes para um resultado semelhante: filmes
que encontraram novas possibilidades em histórias que o cinema já havia
contado.
Isso não significa que os originais tenham perdido seu
valor. Alguns continuam sendo obras importantes, capazes de proporcionar
experiências diferentes das oferecidas pelos remakes.
A seleção também não pretende encerrar a discussão sobre
qual versão é artisticamente superior. Os indicadores revelam tendências de
recepção, enquanto a análise cinematográfica permite compreender as escolhas
que distinguem cada realização.
Talvez a conclusão mais interessante da pesquisa seja
justamente esta: refazer um filme não significa necessariamente aperfeiçoá-lo.
Para que isso aconteça, é preciso encontrar algo que justifique contar
novamente aquela história.
OS SETE FILMES SELECIONADOS
A tabela apresenta os CLC Scores das refilmagens e dos
respectivos originais, organizados pela diferença entre as avaliações.
|
Remake |
Original |
CLC remake |
CLC original |
Diferença |
|
O Falcão Maltês (1941) |
O Falcão Maltês (1931) |
8,8 |
6,5 |
+2,3 |
|
Jejum de Amor (1940) |
A Última Hora (1931) |
8,7 |
7,0 |
+1,7 |
|
Onze Homens e um Segredo (2001) |
Onze Homens e um Segredo (1960) |
7,5 |
6,2 |
+1,3 |
|
A Pequena Loja dos Horrores (1986) |
A Loja dos Horrores (1960) |
7,7 |
6,4 |
+1,3 |
|
A Mosca (1986) |
A Mosca da Cabeça Branca (1958) |
7,8 |
6,9 |
+0,9 |
|
Nasce uma Estrela (1954) |
Nasce uma Estrela (1937) |
8,2 |
7,5 |
+0,7 |
|
Os Infiltrados (2006) |
Conflitos Internos (2002) |
8,5 |
7,9 |
+0,6 |
ENSAIO COMPLETO | 12 MINUTOS
QUANDO A SEGUNDA VERSÃO ENCONTRA UM CINEMA DIFERENTE
1. O desafio de superar uma história já filmada
Existe uma contradição na própria ideia de remake. Se um
filme foi suficientemente interessante para justificar uma nova realização, é
provável que possua qualidades que não serão fáceis de reproduzir. Por outro
lado, se sua primeira versão apresentou limitações, a história talvez ofereça
oportunidades para outro cineasta.
Entretanto, uma refilmagem não precisa surgir da
insatisfação com o original. Pode resultar do desejo de reinterpretar uma
narrativa à luz de novas preocupações, de explorar recursos expressivos
diferentes ou de apresentar uma história a espectadores que vivem em outro
contexto cultural.
Essa distinção é importante porque a superioridade de um
remake não se resume à modernização técnica. Uma fotografia mais sofisticada,
efeitos especiais avançados ou um orçamento maior não garantem uma experiência
cinematográfica mais rica. Em alguns casos, a simplicidade do original é
justamente sua maior virtude.
Nossa pesquisa encontrou exemplos dessa dificuldade. Bravura
Indômita (2010), dos irmãos Coen, apresentou um CLC Score de 8,0,
praticamente igual ao 7,9 da versão de 1969. Insônia (2002), de
Christopher Nolan, obteve exatamente o mesmo CLC Score do original norueguês de
1997: 7,5. São refilmagens com identidades artísticas próprias, mas os
indicadores não oferecem uma base convincente para afirmar que superaram seus
antecessores.
Outros casos foram ainda mais desafiadores. Scarface
(1983), de Brian De Palma, e Invasores de Corpos (1978), de Philip
Kaufman, são filmes admirados, mas enfrentam originais com reputações críticas
extraordinárias.
A pesquisa acabou revelando uma diferença fundamental entre
três afirmações que frequentemente aparecem misturadas nas discussões sobre
cinema: um remake pode ser excelente, pode ser mais conhecido que o original e
pode oferecer uma interpretação mais próxima das sensibilidades contemporâneas.
Nenhuma dessas características, isoladamente, demonstra que seja melhor.
Por isso, a seleção não foi construída a partir de uma lista
de refilmagens famosas. Procuramos identificar casos em que a preferência
registrada pelos indicadores CLC encontrasse correspondência em transformações
cinematográficas relevantes.
2. O Falcão Maltês (1941): quando a direção encontra a
forma da história
Remake: O Falcão Maltês (1941), John Huston.
CLC Score: 6,5 → 8,8.
A história criada por Dashiell Hammett já havia chegado ao
cinema em 1931, com Ricardo Cortez interpretando o detetive Sam Spade. A
primeira adaptação aproveitava elementos do romance policial e apresentava um
protagonista envolvido em uma trama de interesses conflitantes, sedução e
violência.
Dez anos depois, John Huston realizou uma nova versão, agora
com Humphrey Bogart no papel principal.
O resultado tornou-se uma referência do cinema policial
americano, frequentemente associado à consolidação da linguagem do filme noir.
Mas sua superioridade não depende apenas da presença de Bogart ou da reputação
adquirida posteriormente.
Huston organiza a narrativa em torno de relações de
desconfiança. Os personagens raramente revelam suas verdadeiras intenções, e o
espectador precisa interpretar gestos, diálogos e comportamentos para
compreender o que está acontecendo. A encenação valoriza essa instabilidade,
enquanto a fotografia e os enquadramentos acentuam as relações de poder.
Bogart também oferece uma interpretação diferente de Sam
Spade. Seu detetive combina cinismo, inteligência e uma reserva emocional que
impede o espectador de compreender inteiramente suas motivações.
A versão de 1931 possui interesse histórico e uma
desenvoltura característica do cinema anterior à aplicação mais rigorosa do
Código de Produção. Não se trata, portanto, de uma realização sem méritos.
Entretanto, o filme de 1941 alcança uma integração mais
convincente entre narrativa, interpretação e linguagem visual.
Existe ainda uma particularidade histórica: entre as duas
versões, a Warner produziu Satan Met a Lady (1936), outra adaptação,
bastante livre, do romance de Hammett. Assim, o filme de Huston não foi sequer
a segunda tentativa de levar essa história às telas.
A diferença de 2,3 pontos no CLC Score é a maior entre os
sete casos selecionados.
3. Jejum de Amor (1940): uma mudança de personagem
transforma toda a narrativa
Remake: Jejum de Amor (1940), Howard Hawks.
CLC Score: 7,0 → 8,7.
Poucas refilmagens demonstram tão claramente como uma
alteração aparentemente simples pode transformar o significado de uma história.
A Última Hora, adaptação da peça The Front Page,
de Ben Hecht e Charles MacArthur, acompanha um jornalista que pretende
abandonar a profissão para se casar, enquanto seu editor procura impedi-lo de
deixar o jornal.
O filme de Lewis Milestone já apresenta diálogos rápidos,
personagens cínicos e uma visão crítica do universo jornalístico. A relação
entre os dois protagonistas revela o conflito entre a vida pessoal e uma
profissão capaz de consumir inteiramente seus praticantes.
Howard Hawks preserva essa estrutura, mas modifica um
elemento decisivo: Hildy Johnson deixa de ser um homem e passa a ser uma
mulher, interpretada por Rosalind Russell.
Além disso, Hildy e o editor Walter Burns, vivido por Cary
Grant, tornam-se ex-cônjuges.
A mudança transforma a dinâmica da narrativa. O conflito
profissional passa a coexistir com uma disputa afetiva, e as tentativas de
Walter de manter Hildy no jornal tornam-se inseparáveis de seu desejo de
reconquistá-la.
Hawks utiliza diálogos sobrepostos, ritmo acelerado e uma
extraordinária coordenação entre os intérpretes para construir uma comédia em
que o trabalho e o relacionamento amoroso parecem obedecer à mesma lógica
competitiva.
Rosalind Russell é fundamental para o resultado. Hildy não é
apenas o objeto da disputa entre dois homens. Sua inteligência, sua habilidade
profissional e sua dificuldade de abandonar o jornalismo conferem à personagem
uma presença ativa na narrativa.
Isso não elimina as contradições da representação feminina
no filme. A independência de Hildy convive com as manipulações de Walter, e o
desfecho pode ser interpretado de maneiras diferentes quanto à autonomia da
protagonista.
O mérito de Hawks está em transformar essas tensões em
matéria dramática, sem perder a velocidade da comédia.
O próprio diretor relatou que a ideia surgiu ao perceber
como os diálogos da peça funcionavam quando o papel de Hildy era lido por uma
mulher. O registro histórico do American Film Institute confirma essa mudança e
sua importância para a concepção do filme.
4. Nasce uma Estrela (1954): o musical aprofunda a
tragédia da fama
Remake: Nasce uma Estrela (1954), George Cukor.
CLC Score: 7,5 → 8,2.
A história de Nasce uma Estrela parece especialmente
adequada às refilmagens porque trata de um mecanismo que o próprio cinema
conhece profundamente: a substituição de ídolos e a instabilidade do
reconhecimento público.
Na versão de 1937, uma jovem aspirante a atriz alcança o
sucesso em Hollywood enquanto o astro que a ajudou a iniciar a carreira
enfrenta o declínio profissional e pessoal.
William A. Wellman constrói uma narrativa que combina
romance, drama e observação crítica da indústria cinematográfica. O contraste
entre a ascensão de uma estrela e a decadência de outra já está inteiramente
presente no original.
George Cukor preserva essa estrutura, mas encontra no
musical uma maneira de aprofundar seus conflitos.
Judy Garland interpreta Esther Blodgett, que se transforma
na estrela Vicki Lester, enquanto James Mason vive Norman Maine, o artista cuja
carreira se deteriora à medida que a dela floresce.
A mudança para o universo musical amplia o papel da
performance na narrativa. As apresentações de Garland não apenas demonstram o
talento da personagem. Elas permitem observar sua relação com o trabalho, com a
própria identidade e com o reconhecimento público.
A força dramática também depende do contraste entre Garland
e Mason. A vitalidade artística de Esther convive com a fragilidade de Norman,
cuja dificuldade de aceitar a própria decadência transforma o sucesso da
companheira em uma experiência dolorosa.
Cukor utiliza a duração, a cor, o espaço cênico e os números
musicais para construir uma narrativa mais expansiva. Essa ambição oferece
momentos de grande intensidade, mas também introduz uma fragilidade: o filme
pode parecer excessivamente prolongado, especialmente quando comparado à
concentração dramática da versão de 1937.
Sua história de circulação também foi problemática. O filme
sofreu cortes significativos após o lançamento, prejudicando a continuidade de
determinadas passagens.
A versão de Wellman continua importante por sua clareza
narrativa e pela maneira como representa a indústria cinematográfica sem
depender da grandiosidade musical.
Ainda assim, o filme de Cukor oferece uma experiência
emocional mais elaborada, na qual a própria linguagem do espetáculo participa
da tragédia.
5. A Mosca (1986): de uma experiência científica ao
horror da transformação humana
Remake: A Mosca (1986), David Cronenberg.
CLC Score: 6,9 → 7,8.
A versão de 1958 apresenta uma história de ficção científica
construída em torno de uma experiência científica que produz consequências
monstruosas.
Kurt Neumann explora o suspense e o horror associados à
descoberta de uma transformação física impossível de controlar. O filme possui
imagens marcantes e representa uma vertente importante da ficção científica
americana dos anos 1950.
David Cronenberg preserva a premissa do experimento
malsucedido, mas modifica radicalmente seu significado.
Na versão de 1986, Seth Brundle, interpretado por Jeff
Goldblum, desenvolve um sistema de teletransporte e decide utilizá-lo em si
mesmo. O resultado desencadeia uma transformação progressiva que compromete seu
corpo, seu comportamento e sua relação com Veronica, personagem de Geena Davis.
A principal diferença está no tratamento da metamorfose.
No original, a transformação funciona sobretudo como uma
situação extraordinária que provoca horror. Em Cronenberg, ela se torna um
processo contínuo de deterioração, acompanhado pelo espectador em suas
consequências físicas e emocionais.
O filme aproxima a ficção científica de experiências humanas
reconhecíveis: o adoecimento, a perda do controle sobre o próprio corpo, a
alteração da identidade e o sofrimento daqueles que acompanham essa
transformação.
Os efeitos especiais são fundamentais, mas não apenas por
sua capacidade de produzir imagens repulsivas. Eles tornam visível uma
experiência de desintegração que o roteiro desenvolve dramaticamente.
A interpretação de Goldblum acompanha esse processo,
passando da confiança intelectual à euforia, da agressividade ao desespero.
O relacionamento com Veronica também impede que o horror
permaneça restrito à aparência monstruosa. A transformação afeta a intimidade,
a confiança e a possibilidade de reconhecer a pessoa amada.
Há, contudo, uma diferença de proposta que merece ser
preservada. O filme de Neumann não pretende oferecer o mesmo tipo de
experiência psicológica. Sua economia narrativa e seu suspense pertencem a
outra tradição do gênero.
Cronenberg não apenas atualiza a criatura. Ele modifica o
centro emocional da história, transformando o espetáculo monstruoso em
tragédia. O próprio estúdio identifica oficialmente a produção de 1986 como uma
refilmagem do clássico de 1958.
6. A Pequena Loja dos Horrores (1986): quando o musical
encontra o humor macabro
Remake: A Pequena Loja dos Horrores (1986), Frank Oz.
CLC Score: 6,4 → 7,7.
O filme de Roger Corman é um exemplo das possibilidades
criativas do cinema produzido com recursos extremamente limitados.
A história acompanha Seymour, um funcionário de uma
floricultura que descobre uma planta carnívora cuja sobrevivência depende de
uma alimentação cada vez mais assustadora.
Corman utiliza a premissa para construir uma comédia de
horror marcada pelo absurdo, pelo humor irreverente e por personagens
deliberadamente excêntricos. O resultado não procura esconder inteiramente suas
limitações materiais. Parte de sua identidade está justamente na espontaneidade
de uma produção que transforma a escassez de recursos em liberdade criativa.
A versão de 1986 possui uma trajetória diferente das demais
refilmagens desta seleção.
Antes de chegar novamente ao cinema, a história foi
transformada em um musical teatral por Howard Ashman e Alan Menken, apresentado
originalmente em 1982. Frank Oz realizou, portanto, uma adaptação
cinematográfica desse musical, que havia sido inspirado no filme de Corman.
Essa etapa intermediária é fundamental para compreender a
transformação.
A música modifica a estrutura da narrativa. Os desejos de
Seymour, sua relação com Audrey e as promessas oferecidas pela planta ganham
expressão por meio das canções, que participam do desenvolvimento dos
personagens.
A presença de Audrey II também se transforma profundamente.
No original, a planta é sobretudo um elemento absurdo e
ameaçador. Na versão de Oz, torna-se uma personagem com voz, personalidade e
capacidade de manipulação. Os extraordinários efeitos práticos permitem que
seus movimentos e expressões participem diretamente das cenas.
A interação entre os atores e a criatura produz uma
experiência que dificilmente teria o mesmo resultado se a planta funcionasse
apenas como um efeito visual isolado.
Rick Moranis interpreta Seymour como um personagem inseguro,
cuja ambição nasce de uma combinação de frustração, carência afetiva e desejo
de reconhecimento. Ellen Greene, por sua vez, confere a Audrey uma
vulnerabilidade que amplia a dimensão emocional da história.
Entretanto, a versão de Oz também apresenta uma contradição.
O final originalmente concebido para o musical teatral, mais
cruel e coerente com sua lógica satírica, foi substituído na versão
cinematográfica lançada comercialmente. Essa alteração torna o desfecho mais
conciliador e enfraquece parte da radicalidade da proposta. A versão
alternativa pode ser conhecida no corte do diretor.
O filme de Corman conserva, portanto, uma qualidade que não
deve ser desprezada: sua disposição para levar o absurdo até consequências
desconfortáveis, sem a necessidade de oferecer uma resolução emocionalmente
satisfatória.
Ainda assim, a realização de Frank Oz apresenta maior
integração entre narrativa, personagens, música e construção visual.
A diferença de 1,3 ponto no CLC Score, acompanhada por
vantagens expressivas tanto entre o público quanto entre os críticos, sustenta
sua inclusão na seleção.
7. Onze Homens e um Segredo (2001): a precisão transforma
o espetáculo de estrelas
Remake: Onze Homens e um Segredo (2001), Steven Soderbergh.
CLC Score: 6,2 → 7,5.
A versão de 1960 é frequentemente lembrada pela presença de
Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr. e outros integrantes do círculo de
artistas conhecido como Rat Pack.
A reunião desse elenco constitui uma parte essencial da
identidade do filme.
A narrativa acompanha um grupo de antigos companheiros que
planeja assaltar cassinos de Las Vegas. Entretanto, o interesse da produção não
está exclusivamente na elaboração do crime. O prazer de observar a convivência
entre os atores, suas personalidades e a atmosfera descontraída também ocupa um
lugar central.
Steven Soderbergh preserva essa dimensão de espetáculo
coletivo, mas altera profundamente o funcionamento da narrativa.
Na versão de 2001, Danny Ocean, interpretado por George
Clooney, reúne uma equipe especializada para executar um assalto de grande
complexidade. Brad Pitt, Matt Damon, Julia Roberts e Andy Garcia integram um
elenco no qual o carisma individual permanece importante, mas passa a servir a
uma estrutura dramática mais precisa.
A principal transformação está na relação entre o
planejamento do crime e a experiência do espectador.
Soderbergh organiza o filme em torno da apresentação
progressiva de obstáculos, habilidades e soluções. Cada integrante da equipe
possui uma função identificável, enquanto as informações são distribuídas de
maneira a manter o interesse pelo funcionamento do plano.
A montagem, os movimentos de câmera e a fotografia
contribuem para essa sensação de coordenação.
O filme encontra um equilíbrio entre a complexidade da
operação e a leveza dos personagens. O assalto parece extraordinariamente
difícil, mas sua preparação é apresentada com humor e desenvoltura.
Existe, naturalmente, um grau de artificialidade nessa
construção. Algumas soluções dependem de coincidências e de uma confiança quase
ilimitada na capacidade dos protagonistas. A narrativa não procura oferecer uma
representação realista do crime.
Sua proposta é transformar o planejamento e a execução do
assalto em um espetáculo de inteligência, elegância e entretenimento.
O filme de Milestone, por sua vez, conserva o interesse de
um documento cultural sobre a imagem pública de seus protagonistas e sobre uma
determinada concepção de sofisticação masculina no início dos anos 1960.
Soderbergh não elimina esse aspecto. Ele o reorganiza,
colocando o carisma das estrelas a serviço de uma narrativa mais envolvente.
O British Film Institute destaca justamente a desenvoltura
estilística do remake e sua capacidade de atualizar a tradição dos filmes de
assalto.
8. Os Infiltrados (2006): a mesma estrutura, outra
tragédia moral
Remake: Os Infiltrados (2006), Martin Scorsese.
CLC Score: 7,9 → 8,5.
Este é provavelmente o caso mais delicado da seleção.
Conflitos Internos não é um filme obscuro ou uma
produção de recepção modesta que encontrou reconhecimento apenas depois de ser
refeita em Hollywood. O original de Hong Kong já era um suspense amplamente
admirado, com uma estrutura narrativa engenhosa e uma abordagem sofisticada da
identidade.
Sua premissa acompanha dois homens que vivem situações
opostas e complementares: um policial infiltrado em uma organização criminosa e
um criminoso infiltrado na polícia.
Ambos precisam preservar suas identidades falsas enquanto
procuram descobrir a identidade do adversário.
O filme de Andrew Lau e Alan Mak desenvolve essa estrutura
com economia narrativa, ritmo intenso e uma tensão psicológica sustentada pela
impossibilidade de seus protagonistas viverem abertamente.
Martin Scorsese transporta a história para Boston e a insere
em um universo marcado pelas relações entre criminalidade, instituições
policiais, pertencimento social e poder.
Leonardo DiCaprio interpreta Billy Costigan, o policial
infiltrado, enquanto Matt Damon vive Colin Sullivan, o criminoso que construiu
uma carreira dentro da polícia. Jack Nicholson interpreta Frank Costello, chefe
da organização criminosa.
A mudança de contexto modifica a experiência dramática.
No original, a simetria entre os protagonistas é um dos
principais mecanismos narrativos. Os dois homens vivem presos a identidades que
não podem abandonar, e o filme explora a tensão produzida por essa condição.
Scorsese amplia o ambiente social em que o conflito
acontece.
A violência, a linguagem agressiva, as relações de
autoridade e a presença dominante de Costello contribuem para criar um universo
no qual a corrupção ultrapassa as ações individuais.
Os personagens parecem viver em um sistema que compromete
continuamente suas possibilidades de escolha.
A versão americana também dedica maior atenção à
deterioração psicológica de Billy Costigan. Sua experiência como infiltrado não
representa apenas um risco profissional, mas um processo de desgaste que ameaça
destruir sua identidade.
Entretanto, essa ampliação possui custos.
O filme de Scorsese é mais longo, mais explícito e, em
determinados momentos, menos elegante que o original. A narrativa de Hong Kong
apresenta uma concentração dramática que a versão americana substitui por uma
abordagem mais expansiva.
Também seria equivocado atribuir a Scorsese a invenção do
conflito moral que sustenta a história. A força da premissa e boa parte de sua
complexidade já estavam presentes em Conflitos Internos.
A superioridade de Os Infiltrados, portanto, não é
tão evidente quanto a de outros títulos desta seleção.
A diferença de 0,6 ponto no CLC Score é a menor entre os
sete filmes escolhidos. Ainda assim, a versão de Scorsese apresenta vantagens
tanto na avaliação do público quanto na da crítica, além de desenvolver uma
interpretação própria das relações entre identidade, violência e corrupção.
9. O que os sete filmes revelam sobre a arte de refazer?
A comparação permite identificar uma característica comum
aos sete casos: nenhum dos remakes se tornou mais bem avaliado simplesmente por
reproduzir a história com recursos de produção superiores.
As transformações decisivas ocorreram na maneira de
interpretar o material original.
Em Jejum de Amor, uma mudança na identidade de um
personagem alterou as relações dramáticas e abriu novas possibilidades para a
comédia.
Em O Falcão Maltês, a direção, o elenco e a
construção visual deram à narrativa policial uma unidade que se tornaria
referência para o gênero.
Em Nasce uma Estrela e A Pequena Loja dos Horrores,
a linguagem musical ampliou o significado das histórias, embora por caminhos
bastante diferentes.
Em A Mosca, o horror deixou de depender
principalmente da existência de uma criatura monstruosa e passou a nascer da
experiência de transformação do próprio protagonista.
Em Onze Homens e um Segredo, o espetáculo de estrelas
foi reorganizado em torno de uma narrativa mais precisa.
E, em Os Infiltrados, uma estrutura policial
concebida em Hong Kong ganhou novas dimensões ao ser transportada para outro
contexto social.
Esses exemplos demonstram que a relação entre original e
remake não precisa ser entendida como uma disputa na qual o segundo filme
elimina a importância do primeiro.
Na verdade, muitas das qualidades das refilmagens dependem
das possibilidades criadas pelas obras anteriores.
Sem a estrutura de Conflitos Internos, Scorsese não
teria encontrado o mesmo ponto de partida para sua investigação sobre corrupção
e identidade. Sem a comédia macabra de Corman e sua transformação teatral,
Frank Oz não teria realizado o musical de 1986. Sem a narrativa concebida por
Wellman, Cukor não teria encontrado a estrutura que permitiu aprofundar sua
reflexão sobre a fama.
Reconhecer a superioridade de uma versão não exige
desconsiderar a contribuição da outra.
Também é necessário admitir que os indicadores de recepção
possuem limites.
As avaliações de filmes realizados em épocas diferentes
refletem públicos, tradições críticas e condições de circulação distintas. A
disponibilidade das obras, sua preservação e sua reputação histórica
influenciam a maneira como são recebidas.
Por isso, as diferenças nos CLC Scores funcionaram como um
critério de seleção, não como uma demonstração matemática de qualidade
cinematográfica.
A análise de cada par de filmes procurou compreender se
existiam transformações artísticas capazes de sustentar a preferência indicada
pelos números.
10. Conclusão | O valor de uma segunda interpretação
A dificuldade de encontrar sete remakes superiores aos
originais talvez seja a descoberta mais importante desta pesquisa.
A abundância de refilmagens poderia sugerir que a indústria
cinematográfica aperfeiçoa continuamente histórias já conhecidas. Entretanto,
nossa investigação mostrou que muitas obras anteriores permanecem tão
relevantes quanto suas versões posteriores, mesmo quando estas contam com
cineastas prestigiados, atores famosos e recursos técnicos mais avançados.
Isso acontece porque o valor de um filme não está apenas na
história que ele conta, mas na maneira como transforma essa história em cinema.
Um remake pode conservar personagens, situações e conflitos
e, ainda assim, produzir uma experiência completamente diferente. Pode também
modificar inúmeros elementos e não alcançar a força da primeira realização.
Os sete filmes selecionados representam casos nos quais uma
nova interpretação encontrou possibilidades expressivas suficientemente
relevantes para conquistar uma recepção superior à do original.
Mas a comparação não precisa terminar com a escolha de um
vencedor.
Assistir às duas versões permite perceber decisões de
direção, diferenças de linguagem e mudanças culturais que dificilmente seriam
tão evidentes diante de um único filme.
REFERÊNCIAS E FONTES DE PESQUISA
A seleção foi fundamentada nos indicadores CLC Público,
CLC Crítica e CLC Score, do Crítica Livre de Cinema, utilizados na
comparação das sete duplas. As fontes externas abaixo serviram para conferir
informações históricas, relações entre adaptações e aspectos de produção. As
interpretações cinematográficas desenvolvidas no ensaio constituem a análise
editorial da Filmoteca.
1. American Film Institute (AFI)
O catálogo do AFI documenta as produções de A Última Hora
(1931) e Jejum de Amor (1940), incluindo a mudança de gênero da
personagem Hildy Johnson e a transformação de sua relação com Walter Burns.
His Girl Friday (1940) | AFI Catalog
The Front Page (1931) | AFI Catalog
O AFI também apresenta informações sobre a produção, o
elenco e os cortes realizados em Nasce uma Estrela (1954).
A Star Is Born (1954) | American
Film Institute
2. Turner Classic Movies (TCM)
Os artigos históricos da TCM documentam as três adaptações
cinematográficas de O Falcão Maltês realizadas pela Warner entre 1931 e
1941, além da importância da versão de John Huston.
The Maltese Falcon: The Novel, the
Prop and its Legacy
The Maltese Falcon (1941) | TCM
3.
British Film Institute (BFI)
Os textos do BFI oferecem referências sobre Onze Homens e
um Segredo (2001), sua relação com o filme de 1960 e as características de
sua realização cinematográfica.
O instituto também documenta a relação entre o musical
cinematográfico de Frank Oz, a produção teatral de 1982 e o filme de Roger
Corman.
Little Shop of Horrors: Director's
Cut | BFI
4. Arquivo oficial de Howard Ashman
A documentação da obra de Howard Ashman confirma a estreia
do musical teatral em 1982, sua parceria com Alan Menken e a adaptação
cinematográfica lançada em 1986.
Little Shop of Horrors | Howard
Ashman
5. 20th Century Studios
A apresentação oficial de A Mosca (1986) identifica a
produção de David Cronenberg como uma refilmagem do clássico de 1958.
The
Fly (1986) | 20th Century Studios