Pesquisadores de psicologia e neurociência documentaram o
que cinéfilos já sabiam por experiência: narrativas ficcionais ativam os mesmos
circuitos cerebrais que as experiências reais. Quando um personagem chora o que
você não conseguiu chorar, seu cérebro registra algo semelhante ao que
registraria se você próprio tivesse chorado. Quando um personagem encontra
coragem numa situação impossível, algo no seu sistema nervoso responde como se
a coragem fosse também sua.
Esta mostra não é sobre os maiores filmes de todos os
tempos. Não é sobre os filmes mais premiados nem os mais aclamados pela
crítica, embora alguns sejam as duas coisas. É sobre filmes que funcionam como
âncora emocional em momentos de crise. Filmes que as pessoas assistem quando
estão no fundo do poço e que ficam com elas depois, não como lembrança
agradável mas como algo que ajudou a atravessar.
Os 16 filmes desta mostra foram escolhidos por tipo de necessidade emocional, não por tema narrativo. Cada bloco corresponde a um estado específico que a crise produz e cada par de filmes oferece duas respostas diferentes para a mesma necessidade. Nenhum deles promete cura no sentido clínico. O que oferecem é mais modesto e mais real: companhia, reconhecimento, a sensação de que outros já estiveram onde você está e continuaram.
BLOCO 1 — Quando você precisa chorar e não consegue
Sophie tem 11 anos e está de férias com o pai numa resort
na Turquia. Décadas depois, adulta, ela reassiste as imagens gravadas naquela
semana e percebe o que não soube ver na época.
O que Charlotte Wells filmou
Aftersun é o primeiro longa-metragem de Charlotte Wells,
produzido por Barry Jenkins e distribuído pela A24 e pelo MUBI. Estreou na
Semana da Crítica de Cannes 2022, onde Wells foi indicada à Câmera de Ouro, e
venceu sete prêmios no British Independent Film Awards incluindo Melhor Filme e
Melhor Direção. Paul Mescal interpreta Callum, o pai, e Frankie Corio
interpreta Sophie criança numa das performances mais precisas de atriz infantil
do cinema recente.
Por que está neste bloco
O choro que Aftersun desbloqueio não vem da tristeza direta.
Vem do entendimento tardio; Sophie adulta reassistindo memórias de infância e
percebendo, pela primeira vez, o que estava acontecendo com o pai naquelas
imagens que ela havia registrado feliz. O que parecia uma semana de férias
comum era também outra coisa, que a criança não tinha ferramentas para ver e
que a adulta só consegue nomear com décadas de distância. Esse tipo de
reconhecimento, o de ter amado alguém sem ter conseguido vê-lo completamente, é o que desbloqueia o que estava represado.
Celie tem 14 anos quando o filme começa. Passa as próximas décadas sendo invisível para todo mundo ao redor. Até o dia em que para de aceitar isso.
O que Steven Spielberg filmou
Baseado no romance epistolar de Alice Walker, vencedor do Pulitzer e do National Book Award, A Cor Púrpura foi o primeiro filme sério de Spielberg e o que revelou uma dimensão do diretor que os filmes de aventura não haviam mostrado. Com Whoopi Goldberg em seu primeiro papel cinematográfico, Danny Glover e Oprah Winfrey numa performance que a revelou ao mundo. Onze indicações ao Oscar sem nenhuma vitória, resultado que a Academia reconheceu décadas depois como um dos maiores erros de sua história.
Por que está neste bloco
O momento em que Celie se levanta da mesa e diz o que nunca havia dito em voz alta está entre os mais poderosos da história do cinema americano. A emoção que desbloqueia não é a tristeza pela vida que Celie viveu. É a libertação de assistir alguém declarar que existe, que sempre existiu, e que ninguém vai mais apagar isso. Para quem está com emoção represada, A Cor Púrpura chega pelo caminho da força, não da fragilidade. Essa diferença muda tudo sobre como o desbloqueio acontece.
A análise completa está no CRÍTICA LIVRE DE CINEMA
Umberto tem uma pensão atrasada, um cão chamado Flike e uma senhoria que quer o quarto de volta. O mundo passou e não avisou que ele ficaria para trás.
O que Vittorio De Sica filmou
Umberto D. é o filme favorito de De Sica entre os seus próprios trabalhos e um dos mais precisos do neorrealismo italiano. Carlo Battisti, professor universitário de linguística sem nenhuma experiência como ator, interpreta Umberto Domenico Ferrari. De Sica escolheu um não-ator para o papel central porque precisava de alguém que não soubesse fingir. Battisti entrega uma das performances mais naturais da história do cinema. O roteiro é de Cesare Zavattini, parceiro de De Sica em Ladrões de Bicicleta. O filme está na lista dos 100 melhores de todos os tempos da revista Time e aparece na Sight and Sound ao longo de décadas.
Por que está neste bloco
A solidão de Umberto é condição concreta e cotidiana. O mundo ao redor seguiu em frente e simplesmente não parou para notar que ele ficou para trás. De Sica filma essa solidão sem sentimentalismo e sem resolução: acompanha Umberto com a mesma paciência com que Umberto acompanha Flike, porque é o que se faz quando não há mais nada a fazer além de continuar. Para quem está sozinho, esse acompanhamento é o que o filme oferece.
Fern perdeu o emprego, o marido e o código postal. Decidiu que não ia fingir que tinha um lugar para pertencer.
O que Chloé Zhao filmou
Baseado no livro de não-ficção de Jessica Bruder sobre americanos que vivem em vans após a recessão de 2008, Nomadland mistura Frances McDormand como a personagem fictícia Fern com nômades reais interpretando versões de si mesmos. Zhao escreveu, dirigiu, produziu e editou. Venceu o Oscar de Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Atriz. McDormand recebeu o terceiro Oscar da carreira. Zhao tornou-se a segunda mulher e a primeira mulher de cor a vencer o Oscar de Melhor Direção. Leone de Ouro em Veneza e BAFTA de Melhor Filme.
Por que está neste bloco
A solidão de Fern foi escolhida. A alternativa, fingir que cabe num lugar que não é seu, era pior. Zhao filma essa escolha sem romantizá-la e sem condená-la. O que Nomadland oferece para quem está sozinho é o reconhecimento de que existe uma forma de habitar a solidão com integridade. As paisagens do Oeste americano não são decoração: são o único espaço grande o suficiente para conter o que Fern está carregando.
BLOCO 3 — Quando você perdeu alguém
Agnes e William Shakespeare perderam o filho Hamnet aos 11 anos. Cada um foi para um lado diferente do luto. Anos depois, Agnes assiste Hamlet pela primeira vez.
O que Chloé Zhao filmou
Baseado no romance de Maggie O'Farrell, vencedor do Women's Prize for Fiction de 2020, Hamnet imagina a vida de Agnes, esposa de Shakespeare, e o impacto da morte do filho sobre o casal e sobre a criação de Hamlet. Zhao co-escreveu o roteiro com a própria O'Farrell. Jessie Buckley interpreta Agnes e Paul Mescal interpreta Shakespeare. Produzido por Steven Spielberg e Sam Mendes. Jessie Buckley venceu o Golden Globe de Melhor Atriz Dramática e o filme foi amplamente indicado ao Oscar 2026. Fotografia de Łukasz Żal, trilha de Max Richter.
Por que está neste bloco
O luto de Agnes e o luto de Shakespeare seguem caminhos opostos: ele sublima na arte, ela fica no corpo da perda. Zhao filma essa assimetria com uma honestidade que raramente aparece em filmes sobre luto. O momento em que Agnes assiste Hamlet pela primeira vez é o centro emocional do filme: uma mãe que entende, finalmente, o que o marido fez com o que os dois viveram, e que essa compreensão tardia é ela mesma uma forma de realizar a perda. Para quem está num luto que ainda não encontrou forma, Hamnet acompanha sem apressar.
Depois de morrer, você tem uma semana para escolher uma memória. Só uma. A que vai levar para sempre.
O que Hirokazu Kore-eda filmou
Depois da Vida é o terceiro longa-metragem de Kore-eda, realizado com orçamento mínimo, elenco misto de atores e não-atores e uma premissa que parece simples e vai ficando cada vez mais complexa. Um grupo de conselheiros, eles próprios mortos, recebe semanalmente os recém-falecidos e os ajuda a escolher a única memória que vão levar para a eternidade. A equipe então reconstrói essa memória em vídeo, e as pessoas partem habitando o que escolheram. Estreou no Festival de Toronto de 1998 e foi distribuído em mais de 30 países, tornando Kore-eda internacionalmente reconhecido antes de Assunto de Família e Monstro.
Por que está neste bloco
Depois da Vida faz ao espectador em luto a pergunta mais precisa que existe: o que você escolheria levar? Essa pergunta, feita com delicadeza e humor inesperado, transforma o luto em celebração do que existiu. O alívio não vem de uma resposta sobre a morte: vem do reconhecimento de que a vida que foi vivida continha momentos que valem uma eternidade.
A análise completa está no CRÍTICA LIVRE DE CINEMA
BLOCO 4 — Quando você precisa de esperança mas não aguenta falsidade
Sandra tem um fim de semana para convencer os colegas a abrir mão do bônus para que ela não seja demitida. Ela sabe que provavelmente vai perder. Vai assim mesmo.
O que os Dardenne filmaram
Jean-Pierre e Luc Dardenne são os únicos cineastas a vencer a Palma de Ouro em Cannes duas vezes, com Rosetta em 1999 e O Filho em 2005. Dois Dias, Uma Noite foi indicado à Palma de Ouro em 2014 e é o filme em que Marion Cotillard entrega a performance mais contida e precisa da carreira, numa espiral de portas tocadas, rejeições, acordos e recuos ao longo de um fim de semana em Liège, na Bélgica.
Por que está neste bloco
O que Sandra ganha no final não é o que foi buscar. O que ganha é mais difícil de nomear e mais real: a certeza de que não precisa mais se diminuir para existir. A esperança nos Dardenne nasce de dentro, do momento em que o personagem descobre que tem mais do que acreditava ter. Para quem precisa de esperança sem falsidade, Sandra é a prova de que esperança real não promete resolver o problema externo. Promete que a pessoa que atravessou o problema ainda está lá.
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Hushpuppy tem 6 anos, vive numa comunidade à beira do desaparecimento e acredita que o universo inteiro depende de ela continuar de pé.
O que Benh Zeitlin filmou
Beasts of the Southern Wild estreou no Festival de Sundance de 2012, onde venceu o Grand Jury Prize, e foi depois para Cannes, onde venceu a Câmera de Ouro. Quatro indicações ao Oscar incluindo Melhor Filme, Melhor Direção e Melhor Atriz para Quvenzhané Wallis, então com 9 anos, a mais jovem indicada ao Oscar de Melhor Atriz da história. Filmado com atores não profissionais na comunidade Isle de Jean Charles na Louisiana, que está desaparecendo fisicamente pelo avanço do mar.
Por que está neste bloco
Hushpuppy ainda não aprendeu que não pode. Esse não aprendizado é a forma mais pura de esperança que existe: a que não foi corroída pelo suficiente de experiência para saber que deveria desistir. Para quem precisa de esperança mas não aguenta falsidade, Hushpuppy oferece esperança que não precisa prometer nada porque não sabe que deveria ter dúvidas. O universo dela pode estar se desfazendo. Ela ainda está de pé.
BLOCO 5 — Quando você precisa se perdoar
Briony tinha 13 anos quando mentiu. Passou o resto da vida tentando encontrar uma forma de reparação que o tempo havia tornado impossível.
O que Joe Wright filmou
Baseado no romance de Ian McEwan, vencedor do Booker Prize de 2001, Desejo e Reparação foi indicado ao Oscar de Melhor Filme e venceu o de Melhor Trilha Sonora Original, de Dario Marianelli, com o uso da máquina de escrever como instrumento musical. Com Keira Knightley como Cecilia, James McAvoy como Robbie e Saoirse Ronan como Briony criança. A cena de Dunquerque, filmada em plano sequência de cinco minutos e vinte segundos, é uma das mais tecnicamente complexas do cinema britânico recente. Fotografia de Seamus McGarvey.
Por que está neste bloco
O que Briony fez não tem reparação. Robbie morreu. Cecilia morreu. O tempo que poderiam ter tido juntos não voltou. O que Briony encontra, décadas depois, ao escrever o livro que deu origem ao filme, é a única forma de expiação disponível para quem destruiu algo que não pode ser reconstruído. Desejo e Reparação diz com honestidade que algumas culpas não têm absolvição possível, e que mesmo assim é preciso encontrar uma forma de continuar existindo com o que foi feito.
A análise completa está no CRÍTICA LIVRE DE CINEMA
Wiesler passou anos escutando a vida das pessoas. Num determinado momento, fez algo diferente. Ninguém soube. Ele sempre soube.
O que Florian Henckel von Donnersmarck filmou
A Vida dos Outros ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2007, tornando-se um dos filmes alemães mais vistos internacionalmente dos últimos vinte anos. É o primeiro longa-metragem de Donnersmarck. Ulrich Mühe interpreta o agente da Stasi Gerd Wiesler, encarregado de vigiar o dramaturgo Georg Dreyman e sua companheira, a atriz Christa-Maria Sieland. Sebastian Koch interpreta Dreyman e Martina Gedeck interpreta Christa-Maria. Mühe morreu de câncer gástrico em 2007, poucos meses após o Oscar.
Por que está neste bloco
A expiação de Wiesler acontece em silêncio, sem testemunha, sem recompensa e sem perdão declarado. Ele faz uma escolha que compromete a própria carreira, que ninguém vai reconhecer, que não desfaz o que havia feito antes. E no final do filme, quando descobre que o dramaturgo soube e escreveu sobre ele, a única coisa que faz é comprar o livro. A Vida dos Outros diz algo preciso sobre o perdão: que nasce de um ato concreto que muda o curso de algo, mesmo que tarde, mesmo que ninguém saiba.
BLOCO 6 — Quando você precisa de beleza
1962. Hong Kong. Dois vizinhos descobrem que seus cônjuges estão se vendo. Nunca dizem isso em voz alta.
O que Wong Kar-wai filmou
Amor à Flor da Pele venceu o prêmio de Melhor Ator em Cannes 2000 para Tony Leung Chiu-wai e foi indicado à Palma de Ouro. Com Maggie Cheung como a Sra. Chan e Tony Leung como o Sr. Chow. Fotografia de Christopher Doyle e Mark Lee Ping-bing. Trilha com Yumeji's Theme de Shigeru Umebayashi, que se tornou uma das composições mais reconhecíveis do cinema contemporâneo. Wong Kar-wai filmou por mais de um ano, sem roteiro fixo. Eleito o maior filme do século XXI pela BBC em 2016, com votos de 177 críticos de todo o mundo.
Por que está neste bloco
Amor à Flor da Pele é um dos filmes mais visualmente densos já realizados. Cada frame é uma decisão de composição, cor e luz que funciona independentemente da narrativa, como pintura que também conta uma história. Para quem precisa de beleza como interrupção do estado mental da crise, esse filme tira o espectador da própria cabeça pela força do que mostra: o desejo não realizado filmado com uma precisão que transforma a contenção em experiência sensorial completa.
A análise completa está no CRÍTICA LIVRE DE CINEMA
Mirco perdeu a visão aos 10 anos. Descobriu que o mundo pode ser percebido de outras formas, com uma atenção que a maioria das pessoas com olhos nunca exerceu.
O que Cristiano Bortone filmou
Baseado na história real de Mirco Mencacci, um dos mais importantes sound designers do cinema italiano, Vermelho Como o Céu acompanha Mirco aos 10 anos, na Itália dos anos 1970, depois que um acidente com uma arma o deixa cego. Enviado para uma escola especial onde os cegos são treinados para profissões específicas, Mirco encontra uma fita cassete velha e começa a gravar os sons ao redor, descobrindo que o mundo sonoro tem uma riqueza que a visão frequentemente obscurece. O filme venceu prêmios em festivais internacionais e foi distribuído em mais de 40 países.
Por que está neste bloco
Vermelho Como o Céu expande o que beleza pode significar: não é visual, é sensorial e atencional. Mirco aprende a ouvir o que a maioria das pessoas não ouve. Para quem está em crise e precisa de beleza, o filme ensina a encontrá-la onde não estava procurando. A lição não é sentimentalismo: é atenção.
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Norma Rae trabalha numa fábrica de tecidos no sul dos Estados Unidos. Um dia, sobe numa mesa e segura uma placa escrita à mão. Ninguém na fábrica consegue olhar para outro lado.
O que Martin Ritt filmou
Norma Rae é baseado na história real de Crystal Lee Sutton, operária têxtil que ajudou a organizar o sindicato numa fábrica em Roanoke Rapids, Carolina do Norte, no início dos anos 1970. Sally Field ganhou o Oscar de Melhor Atriz, sua primeira estatueta, e venceu também em Cannes. Com Ron Leibman como o organizador sindical nova-iorquino Reuben Warshovsky. A cena em que Norma Rae sobe na mesa e segura a placa com a palavra UNION é uma das mais icônicas do cinema americano dos anos 1970.
Por que está neste bloco
A coragem de Norma Rae tem custo real e resultado concreto: a fábrica é sindicalizada. Ela perde amigos, tem problemas com o marido, é presa. E vai assim mesmo porque encontrou algo que vale mais do que a segurança de não agir. Para quem precisa de coragem, Norma Rae oferece o exemplo mais direto de que coragem não é ausência de medo: é a decisão de fazer apesar do medo, com consciência do custo e sem garantia de resultado além do resultado.
Jean-Dominique Bauby sofreu um AVC e acordou com movimento apenas no olho esquerdo. Usou esse olho para ditar um livro.
O que Julian Schnabel filmou
Baseado no livro homônimo de Jean-Dominique Bauby, editor-chefe da revista Elle francesa, O Escafandro e a Borboleta ganhou o prêmio de Melhor Direção em Cannes 2007 e o Globo de Ouro de Melhor Filme Estrangeiro. Julian Schnabel filmou grande parte do filme da perspectiva de Bauby, câmera subjetiva no olho esquerdo, o único ponto de contato entre Bauby e o mundo. Mathieu Amalric interpreta Bauby. A fotografia de Janusz Kaminski foi indicada ao Oscar.
Por que está neste bloco
Jean-Dominique Bauby ditou O Escafandro e a Borboleta piscando o olho esquerdo para uma assistente que recitava o alfabeto, letra por letra, palavra por palavra, página por página. O livro tem 130 páginas. Bauby morreu dois dias após a publicação. A coragem aqui é a decisão de continuar existindo e criando dentro de uma limitação que a maioria das pessoas não conseguiria imaginar sobreviver. E o resultado é concreto: o livro existe.
A análise completa está no CRÍTICA LIVRE DE CINEMA
BLOCO 8 — Quando você precisa recomeçar
Pasha é operária numa fábrica soviética e atriz amadora num clube local. Um dia, alguém decide que ela vai interpretar Joana d'Arc num filme de verdade.
O que Gleb Panfilov filmou
Nachalo, O Começo em russo, é um filme soviético de 1970 produzido pelo estúdio Lenfilm. Inna Churikova, que se tornaria uma das maiores atrizes do cinema soviético, interpreta Pasha Stroganova. O filme venceu o Leão de Prata em Veneza e Churikova recebeu o Leão de Ouro de Melhor Atriz. Panfilov e Churikova tornaram-se parceiros de trabalho e de vida, casaram-se e colaboraram ao longo de décadas. É um dos filmes soviéticos mais importantes dos anos 1970 e um dos menos conhecidos fora do circuito de cinematecas.
Por que está neste bloco
O recomeço de Pasha não vem de fora. Vem de dentro, quando um cineasta decide que ela pode encarnar Joana d'Arc e ela descobre que pode. O mundo ao redor havia definido o que Pasha poderia ser: operária, atriz amadora, mulher de uma cidade provinciana soviética. O filme examina o que acontece quando alguém descobre que é mais do que o lugar que o mundo reservou para ela, e que essa descoberta muda o que ela acredita ser possível a partir de então.
A análise completa está no CRÍTICA LIVRE DE CINEMA
Cheryl Strayed perdeu a mãe, o casamento e o controle da própria vida. Decidiu caminhar mais de 1700 km sozinha pelo Pacífico americano.
O que Jean-Marc Vallée filmou
Baseado no livro de memórias de Cheryl Strayed publicado em 2012, Livre foi dirigido por Jean-Marc Vallée, cineasta canadense que havia realizado Dallas Buyers Club. Reese Witherspoon protagoniza e produz, recebeu indicação ao Oscar de Melhor Atriz. Laura Dern como a mãe de Cheryl foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante. Roteiro de Nick Hornby. A Pacific Crest Trail, o percurso real da caminhada, vai do deserto de Mojave na Califórnia até a fronteira do Canadá no estado de Washington.
Por que está neste bloco
Cheryl não tem experiência de caminhada. Não tem plano além de começar e continuar. Cada quilômetro é distância concreta entre quem era e quem pode vir a ser. Livre é o filme de recomeço mais físico desta mostra: o recomeço acontece nos pés, no peso da mochila, nas bolhas, no cansaço. E é precisamente essa fisicalidade que o torna curativo: o corpo fazendo o que a mente precisava fazer mas não encontrava como fazer.